Na das war doch mal eine stimmige Oscar-Verleihung. Clooneys Up in the Air ging zwar erwartungsgemäß leer aus, der Film war im Vergleich zu blauen Aliens oder explodierenden Bomben schlicht zu harmlos. Aber dafür hat sich Kathryn Bigelow erfolgreich gegen Ex-Mann James Cameron durchgesetzt und die Hauptpreise für besten Film, beste Regie und bestes Drehbuch abgesahnt (und noch einige mehr). The Hurt Locker war sicher nicht der beste Film der letzten Monate, aber im Vergleich zu Avatar auf jeden Fall die bessere Wahl. Avatar hingegen hat die Trostpreise für Ausstattung und Special Effects bekommen, alles andere wäre auch ein sehr merkwürdig gewesen. Wobei ich mich schon frage, ob Avatar nicht auch den “best animated film” Award hätte bekommen müssen, wo doch ein großer Teil des Cast aus blauschlumpfig animierten Pixelwesen bestand. Den hat wie zu erwarten Pixars Up! bekommen. Keine wirkliche Überraschung, auch wenn Up sicher nicht Pixars Meisterwerk war.

Der Oscar für Christoph Waltz ist hochverdient, seine Rolle in Inglourious Basterds war einfach überragend. Wobei man sich fragen kann, warum Waltz eigentlich nur als “supporting actor” nominiert war, gefühlt war sein Anteil an Leinwandminuten deutlich höher als der von “Hauptdarsteller” Brad Pitt. Dass Basterds ansonsten leer ausging, ist sehr in Ordnung, so überragend wie Christoph Waltz war der Film insgesamt wirklich nicht. Leer gingen glücklicherweise auch der Coen-Langeweiler A Serious Man und der unsägliche Belehrungsstreifen Das weiße Band vom Österreicher Michael Haneke aus, die beide im Vorfeld unverständlicherweise hoch gehandelt wurden.

In der nicht allzu fernen Zukunft hängt die Energieversorgung der Erde zum größten Teil von Helium-3 ab, das auf automatisierten Minen auf dem Mond abgebaut wird. Sam Bell (Sam Rockwell) ist einer der wenigen menschlichen Mondarbeiter, er überwacht alleine mit Hilfe von automatischen Erntemaschinen und Robotern eine komplette Rohstoffbasis. Er hat einen Dreijahresvertrag mit der Minengesellschaft abgeschlossen, und ist fast am Ende seiner Laufzeit angelangt. Die drei Jahre Einsamkeit haben ihn ein wenig schratig werden lassen, die Satellitenverbindung zur Erde ist gestört, so dass er nur zeitversetzte Videobotschaften mit seiner Frau austauschen kann. Sein einziger Gesprächspartner ist der Stationsroboter GERTY, der sich um sein Wohlbefinden kümmert.

Nachdem er bei einem verunglückten Reparatureinsatz in der Krankenstation wieder aufwacht, entdeckt Sam auf einmal eine weitere Person auf dem eigentlich menschenleeren Himmelskörper, die zu allem Überfluss wie er selbst aussieht. Zwischen Traum und Wahnvorstellungen hin- und herschwankend entdeckt Sam das dunkle Geheimnis der Mondstation.

Duncan Jones Erstlingswerk über den einsamen Mondarbeiter ist bedächtig und kammerspielartig inszeniert, eine sehr eindeutige Hommage an die großen Genrevorbilder wie 2001, Solaris oder Silent Running. Die Zitate werden geschickt zu einer ganz eigenen Story zusammengebaut. GERTY, der vermeintlich diabolische HAL-Klon, der Sam sanft aber bestimmt bevormundet, ist z.B. nicht so vorhersehbar wie anfangs zu befürchten.

Wirklich perfekt gelungen ist die Dopplung der Rolle des Sam, das Wechselspiel zwischen ein und derselben Person ist absolut stimmig, man hat in keiner Szene das Gefühl, dass hier getrickst wird. Was nicht zuletzt an der großartigen Leistung von Sam Rockwell liegt, der den Film vollständig trägt und es schafft, den Gegensatz zwischen den Protagonisten ohne jeden Zweifel rüberzubringen, auch wenn er den nach jahrelanger Einsamkeit schratig gewordenen Mondarbeiter ein wenig exaltiert spielt. Wunderschön ist auch Kevin Spacey Stimme des Stationsroboters GERTY, die ambivalent zwischen fürsorglich und diabolisch hin- und her schwankt.

Ausstattung und Kulissen sind perfekt, was gerade in Anbetracht des überschaubaren Budgets von 5 Mio Dollar beeindruckend ist. Auch die Außenaufnahmen und Trickeffekte sind zwar nicht atemberaubend, aber absolut passend. Einzig die Gestalt von Roboter GERTY wirkt ein wenig plumb für die moderne Sci-Fi-Technik. Die Idee, GERTYs Emotionen durch einen simplen Smiley auf einem Mini-Bildschirm zu simulieren, ist allerdings sehr nett.

Regisseur und Drehbuchautor Jones ist manchmal ein bisschen zu selbstverliebt in die eigene Inszenierung und gefällt sich deutlich in den Zitaten von Mondlandungsbildern oder Sci-Fi-Klassikern. Ganz nett ist, dass der Film die Pointe nicht erst am Ende verrät, sondern die Zusammenhänge schon nach dem ersten Drittel klar werden, und man den Rest der Zeit nicht mehr mit rumrätseln verbringen muss, sondern die Story bei der wirklich intelligenten Weiterentwicklung verfolgen kann. Ein schönes Gedankenexperiment, ohne Knalleffekte und Action inszeniert, schön zuende gedacht. Dennoch hat das ganze leider ein paar Längen, was vermutlich nur eine Hommage an den Langeweiler 2001 sein soll, aber trotzdem ein wenig ermüdend wirkt.

Der spärliche aber passend-atmosphärische Soundtrack wartet mit der netten Pointe auf , “I am the one and only” von Chesney Hawkes als wake-up call zu verwenden (und durch die Credits weiß ich jetzt auch, dass Nik Kershaw den Song geschrieben hat).

Moon, Großbritannien 2009

Bei einem Film mit Namen “Love Happens” und Jennifer Aniston in der Hauptrolle kann man sich die übliche rom-com Story schon zusammenreimen, ohne auch nur den Trailer gesehen zu haben. Allerdings entpuppt sich Love Happens weniger als romatische Komödie rund um Anistons Liebschaften, sondern als Melodram, das sich vornehmlich um das Schicksal ihres Filmpartners Aaron Eckhart rankt: Eckhart spielt den Motivationstrainer Burke, der den Unfalltod seiner Frau in einem Buch verarbeitet hat, und darauf aufbauend ein erfolgreiches Business als Anbieter von Trauerseminaren gestartet hat.

Motivationstrainer sind seit langem eine beliebte Berufsgruppe für Hollywood, weil der naheliegende Gegensatz zwischen platten “Du-schaffst-es!”-Botschaften und eigenem verlogenen Leben des Coaches so viel Stoff für Komik und Drama bietet. Love Happens macht sich weniger über diese Diskrepanzen zwischen Message und eigenem Handeln lustig, sondern nutzt diese Ausgangssituation, um ziemlich schamlos auf dem Klavier der ganz großen Emotionen zu spielen: von Verlust und Trauer über den Tod eines Nahestehenden bis zu Hoffnung und natürlich Liebe, die am Ende auf die Protagonisten wartet. Diese Melodramatik droht immer mal wieder in rührseeligen Kitsch abzugleiten, aber durch die gute Besetzung und die Tatsache, dass das Drehbuch nicht jedes platte Klischee bedient und nicht jede vorhersehbare Wendung einschlägt, bleibt das ganze erstaunlich sehenswert.

Vor allem Aaron Eckhart ist es zu verdanken, dass die rührseelige Geschichte erträglich bleibt: Eckhart verkörpert den zwischen eigener verdrängter Trauer und energiegeladerer emphatischer Motivations-Kanone hin- und herschwankenden Burke mit der notwendigen Glaubwürdigkeit und Tiefe. Jennifer Aniston verblasst daneben ein wenig, auch weil ihre Figur für eine Hauptrolle eher wenig Storyanteil bekommt. Solide wie immer spielt Martin Sheen den knorrigen Schwiegervater. Als beste Freundin darf mal wieder Judy Greer herhalten, die auf diese Rolle abonniert zu sein scheint.

Eine tragende Rolle spielt auch das regnerische Seattle: Alle Sehenswürdigkeiten, von der Space Needle über den Pike Place Market bis zu Grab von Bruce Lee werden stimmungsvoll in Szene gesetzt werden, man fühlt sich teilweise wie in einem Werbefilm des Tourismusverbandes. Nicht die schlechteste Standortwahl übrigens für einen Chick-Flick, nachdem Seattle durch Grey’s Anatomy dem weiblichen Zielpublikum bestens bekannt ist als Ort romantischer Verwicklungen, man wartet geradezu darauf, dass McDreamy in jedem Moment um die Ecke kommt. Überhaupt ist die Produktion perfekt durchgestylt: Inszenierung, Ausleuchtung, Kameraarbeit - so ziemlich jede Szene erstrahlt in ansprechenden Hochglanzbildern.

Wenn man will, kann man viel an Love Happens finden, über das man sich aufregen kann: eher platte Symbolik über Vögel, die freigelassen werden wollen, hollywood-typische Schrulligkeiten der Hauptfiguren, die keine Aufzüge nehmen oder originelle Worte an Hotelwände schreiben, genre-übliche Standardbausteine wie die große Rede der Hauptfigur gegen Ende, in der er seine Katharsis erfährt, und schlichte Weisheiten und Phrasen, die als tiefgründige Philosophie verkauft werden. Wenn man sich auf den Film einläßt, funktioniert das alles allerdings erstaunlich gut. Die Story verläßt natürlich nicht die gewohnten Genre-Pfade, am Ende geht alles irgendwie so aus wie man das nach den ersten fünf Minuten erwarten konnte, aber im Detail überrascht Love Happens dann doch immer mal. Etwa wenn der leicht schmierige Agent, der zunächst wie die Standard “schleimiger-Vertreter-der-nur-ans-Geld-denkt-und-seinen-Freund-verrät”-Rolle aussieht, die man seit Pretty Woman schon so häufig gesehen hat, am Ende doch ein wenig mehr Tiefe hat.

Insgesamt eine sehr solide Produktion, die aus dem üblichen rom-com/Melodram-Einerlei herausragt, ohne die Regeln des Genres gleich neu zu erfinden.

Love Happens, Kanada, USA 2009 - deutscher Kinostart: 12.11.2009

Essay-Film von Robert Kenner über die Lebensmittelindustrie und die industrialisierte Landwirtschaft, und die nachhaltigen Veränderungen in der Gesellschaft, die mit ihr einhergehen. Der Film ist weniger eine Dokumentation als eine Polemik, ganz im Stil von Michael Moore. Wem Sicko oder Fahrenheit 9/11 gefallen hat, der wird an mit Kenners Werk Gefallen finden.

Eric Schlosser hat bereits mit Fast Food Nation ein Standardwerk über die industrielle Lebensmittelproduktion geschrieben, das auch schon halbdokumentarisch verfilmt worden ist (u.a. mit Bruce Willis und Ethan Hawke). Food Inc. übernimmt einen Großteil der Argumentationslinie von Fast Food Nation , und läßt Eric Schlosser auch ausgiebig zu Wort kommen: Aus Bauern werden Leibeigene der Fleischindustrie, der Verbraucher wird bewußt desinformiert, die Industrie produziert ihre Lebensmittel mit Hilfe von Aromen und Chemie aus immer billigeren Rohstoffen, und durch die industrialisierte Fleischproduktion brechen immer wieder tödliche E.coli Infektionen aus - “there is shit in the meat”.

Für einen Dokumentarfilm ist die Produktion aufwändig gemacht. Schon der schicke Vorspann, in dem die Credits bei einem Schwenk durch einen Supermarkt elegant in die Lebensmittelverpackungen eingeblendet werden, zeigt, dass es sich hier nicht um eine off-off-Hollywood Independent Produktion handelt. Alles sehr elegant visuell umgesetzt, mit viel CGI-Zauber, um die Argumentationslinie zu stützen. Dazu kommen beeindruckend gruselige Bilder von riesigen Rinderfarmen, automatisierten Hähnchenschlachtereien oder riesigen Obstverpackungsfirmen. Natürlich auch mit den unvermeidlichen Ekelszenen von am Fließband getöteten Tieren oder Ställen mit Massentierhaltung, sogenannten CAFOs - “concentrated animal feeding operations” - klingt wie KZ, und sieht auch so aus.

Aber Food Inc. verlässt sich nicht nur auf diese billigen Schock-Effekte. Die Zusammenhänge hinter den Gruselbildern werden gut erklärt und Food Inc. zeigt parallel immer wieder Beispiele, wie es auch anders gehen kann. Das muss gar nicht zwingend ein alternativer Ökohof sein, als Positivbeispiel darf z.B. auch Stonyfield dienen, eine Tochter des Food-Riesen Danone, die mit ihrem Bio-Joghurt zum drittgrößten Produzenten in den USA aufgestiegen ist und auch mit dem bösen Supermarktkonzern Wal-Mart gute Geschäfte macht. Und dass es auch auf dem Ökohof nicht gerade zimperlich zugeht, zeigt eine schöne Interview-Szene, in der der Ökobauer freundlich und ruhig seine Arbeit erklärt, während er und seine Mitarbeiter dabei reihenweise Truthähne ins Jenseits befördern.

Genre-bedingt ist die Argumentationslinie ziemlich reißerisch und wenig differenziert. Wer sich nicht daran stört, gelegentlich auch mal mit dem Holzhammer indoktriniert zu werden, bekommt ungewöhnliche Einblicke in die Produktionsbedingungen unserer Lebensmittel. Das ganze ist natürlich sehr amerikanisch, aber die Kernaussage, dass die industrialisierte Lebensmittelindustrie ihre fragwürdigen Produktionsbedingungen hinter bunten Verpackungen versteckt, gilt auch für Europa oder Deutschland.

Food, Inc., USA 2008

Der deutsche Jan (Christian Ulmen) und die Deutsch-Italienerin Sara (Mina Tander) wollen heiraten. Saras resoluter Vater Antonio (Lino Banfi) besteht darauf, dass die Hochzeit im italienischen Heimatdorf der Familie stattfindet, und sich das Paar zur Vorbereitung zwei Wochen bei der italienischen Großfamilie einquartiert. Was folgt ist ein par-force Ritt durch sämtliche deutsch-italienischen Klischees die es so gibt. Es bekommt jeder sein Fett weg: Die vermeintlich weltoffenen Toskana-Deutschen, die die Italiener so “spontan” finden aber selber ein Ausbund von Spießigkeit sind. Die Italiener, die über die Effizienz der deutschen Maschinenmenschen spotten aber daran verzweifeln, dass in ihrem eigenen Land nichts funktioniert. Neben vordergründigen Klischees und Platitüden über deutsche Spießigkeit, italienische Schlamperei, verfeindete Dorfcliquen und kultureller Mißverständnisse greift der Film durchaus differenziert das komplexe Verhältnis zwischen Deutschen und Italienern auf. Gerade in den Rückblenden, in denen das Leben des Vaters als italienischer Gastarbeiter im Nachkriegsdeutschland pointiert nachgezeichnet wird, bekommen die Figuren etwas mehr Tiefe, auch wenn die Rückblenden selbst eher plakativ von Ausländerfeindlichkeit und Ausgrenzung handeln.

Die schauspielerische Leistung ist durchwachsen. Christian Ulmen ist wie immer sehr sympathisch, spielt hier aber wie so oft nur seine Standardrolle: die des netten leicht trotteligen Typen von nebenan mit Dreitagebart und fettigen Haaren. Also der gleiche Ulmen, den man auch aus Fernsehshows und Interviews kennt. Seine Partnerin Mina Tander ist hübsch anzusehen, bleibt aber eher blass in ihrer Rolle. Die übrigen Figuren, sowohl die italienischen Dorfbewohner als auch die deutschen Studienräte, kommen über die Bedienung von Klischeerollen (biederer Professor, herzliche italienische Mama, gegelter italienischer Schönling) nicht hinaus, auch Maren Kroymann als Ehefrau von Vater Antonio ragt hier kaum heraus. Die Rolle des Antonio gewinnt zwar mit der Zeit eine überraschende Tiefe, aber so ganz nimmt man Lino Banfi den Spagat zwischen Trotteligkeit, Bauernschläue und philosophischer Weisheit nicht ab.

Die Verfilmung des halb-autobiografischen Bestsellers von Jan Weiler, der auch selbst eine kleine Statistenrolle spielt, kann sich leider nicht so richtig entscheiden, ob sie lustige Komödie oder gesellschaftskritisches Statement sein will. Das ganze wirkt ein wenig halbgar, für eine Komödie ist die Story schlicht nicht lustig genug, für ernsthaftere Ambitionen fehlt der notwendige Tiefgang. Über weite Strecken plätschert der Film eher seicht vor sich hin und zieht sich in die Länge.

Maria, ihm schmeckts nicht, Deutchland, Italien 2009 - deutscher Kinostart: 06.08.2009

Die bisher gesichteten Oscar-Kandidaten für den besten Film kommen im Schnitt nur auf 6,2 Punkte. Nicht gerade ein überragendes Feld, allerdings ziehen die Coens den Schnitt deutlich nach unten. Jason Reitmans Up in the Air ist in insgesamt sechs Kategorien nominiert, neben Bester Film und Bestes Adaptiertes Drehbuch sind auch alle drei Hauptdarsteller nominiert, was ja schon einmal sehr vielversprechend klingt.

Ryan Bingham (George Clooney) hat einen ungewöhnlichen Job: Er arbeitet in einer Outplacement-Beratung und verdient sein Geld damit, Leuten zu kündigen. Der Wirtschaftskrise ist es zu verdanken, dass seine Branche boomt, und so reist durch das krisengeschüttelte Amerika zu desolaten Firmen in heruntergekommenen Industriegebieten, die in beklemmender Büroatmosphäre am Fließband ihren Mitarbeitern kündigen. Beziehungsweise kündigen lassen, weil die Chefs nicht die Courage aufbringen, diesen schmutzigen Job selber zu machen und die Aufgabe lieber an die Binghams Firma outsourcen.

Über weite Strecken nimmt die Kamera Binghams Position ein, der Zuschauer ist live dabei, wenn den Menschen unvermittelt eröffnet wird, dass sie ihren Job verlieren. Überraschung, Entsetzen und Wut der Betroffenen wirken beklemmend echt, was wohl auch daran liegt, dass für die authentischen Kündigungsszenen angeblich Leute gecastet wurden, denen tatsächlich kurz vorher gekündigt worden ist.

Die deprimierende Welt der Jobverluste und Firmenpleiten ist aber nur ein Motiv des Films. Auf der anderen Seite tauchen wir in die glitzernde Business-Welt des Vielfliegers Ryan Bingham ein. Er verbringt die meiste Zeit des Jahres unterwegs zwischen Omaha, Des Moines oder Detroit. Während normale Menschen sich auf Flughäfen, bei Sicherheitskontrollen oder in anonymen Hotelzimmern unwohl fühlen, sind diese Orte Ryans Zuhause geworden. Sein größtes Ziel ist es, zehn Millionen Bonusmeilen zu erreichen und damit den Topstatus seines Vielfliegerprogramms. Mit seinen artverwandten Frequent Travellern tauscht er sich leidenschaftlich über die Vor- und Nachteile von Loyalty-Programmen, Mietwagenfirmen und Umsteigeverbindungen aus. In Alex (Vera Farmiga) findet Ryan eine Seelenverwandte, die wie er keine festen Bindungen will, sondern lieber zwischen zwei Flügen in der Flughafenlounge unkomplizierten Sex sucht. In seiner Freizeit verdingt er sich als Motivationstrainer, dessen Botschaft es ist, möglichst allen Ballast über Bord zu werfen, seien es Gegenstände oder Beziehungen, um leicht und unbelastet durchs Leben reisen zu können (”moving is living”).

Der Vielfliegerwelt des Spesenritters Ryan droht allerdings ein jähes Ende, als seine Firma beschließt, die Outplacement-Gespräche zukünftig per Videokonferenz durchzuführen, statt durch teure Vor-Ort-Präsenz. Die junge Nachwuchskollegin Natalie hat hierfür ein Konzept erarbeitet, zunächst soll sie aber an der Seite von Ryan Praxiserfahrung im Outplacement Geschäft sammeln.

Clooney spielt den zynischen aber charmanten Meilensammler ganz hervorragend. Er schafft die Gratwanderung, dieser eigentlich kalten und herzlosen Figur mit anrüchtigem Job und Bindungsunfähigkeit Wärme und Sympathie einzuhauchen. Etwas schwach ist die Rolle seiner jungen Kollegin Natalie (Anna Kendrick), was nicht primär an der Besetzung liegt, sondern vor allem am Drehbuch: zu naiv und unsouverän wirkt die Nachwuchskraft, ein größeres Gegengewicht zum alles überragenden Clooney hätte der Story gutgetan. Viel besser harmoniert Vera Farminga als ebenbürtige Vielfliegerin Alex - Die Flirt-Szenen zwischen Clooney und Farminga wirken sehr erwachsen und unprätentios. Jedes Klischee, das in der Beziehung der beiden anklingt, wird auch gleich als solches enttarnt. Die Atmosphäre des Corporate America zwischen Kettenhotels, Flughafenlobbies und Firmenparties wird sehr authentisch in Szene gesetzt.

Zur Mitte droht die Geschichte abzugleiten in ein sehr vorhersehbares Klischee-Happy-End, wenn Ryan zur Hochzeit seiner Schwester die Welt der Hilton-Hotels und Lounges verlässt, um ins tiefste Wisconsin zu reisen (und dort festzustellen, dass er im lokalen Swiss Chalet Hotel leider nicht den Matterhorn-Status für bevorzugten Check-In besitzt). Ryan wandelt auf den Spuren seiner Provinzherkunft, spricht mit echten Menschen, die reale Probleme haben, und beginnt, seine zynische Vielflieger-Existenz zu hinterfragen. Glücklicherweise spult Reitman die drohende Kitsch-Auflösung dann doch nicht so vorhersehbar ab und entscheidet sich für eine intelligentere Fortführung der Geschichte.

Jason Reitman hat sich mit intelligenten Komödien etabliert, die auch sperrige Themen aufgreifen, und nicht ganz so harmlos daherkommen wie Vaters “Ghostbusters” (Vater Ivan hat allerdings auch bei Up in the Air mitproduziert). Auch Sohn Jason macht sehr mainstream-kompatible Filme, nimmt als Aufhänger aber gerne mal gesellschaftliche Aufreger, seien es Teenie-Schwangerschaften wie in Juno, oder Kündigungswellen wie im aktuellen Up in the Air. Dass Reitman Jr. diese Themen tatsächlich nur als Aufhänger für eine fluffige Geschichte nimmt, und nicht ernsthaft etwas über den Zustand der amerikanischen Gesellschaft zu erzählen hat, keine wirkliche sozialkritische Botschaft oder ambitionierte Statements zur Lage der Nation verbreiten will, kann man kritisieren. Man die Leichtigkeit aber auch bewundern, mit der Reitman aus solchen Stoffen statt tonnenschwerer Dramen gut gemachte und intelligente Unterhaltung produziert.

Einen Bonuspunkt gibt es für das überraschend klischeefreie Ende, das nicht den zwischenzeitlich stark zu befürchtenden Happy-End-08/15 Verlauf nimmt. Und einen weiteren Bonuspunkt dafür, dass man sich die platte Pointe erspart hat, dass dem Profi-Kündiger irgendwann selbst gekündigt wird. Reicht für insgesamt neun Punkte und damit zum bislang besten Film aus dem diesjährigen Oscar-Feld. Den Award wird Up in the Air trotzdem nicht bekommen, dafür ist der Film schlicht zu leise und unspektakulär im Vergleich zum Blockbuster-Getöse von Avatar oder dem explosiven Kriegsgeschehen von The Hurt Locker.

Up in the Air, USA 2009 - deutscher Kinostart: 04.02.2010

(C) Focus Features

Der neue Film von Ethan und Joel Coen ist eine deutliche Abkehr vom letzten Werk Burn after Reading: Statt Starbesetzung mit Clooney, Pitt und Malkovitch ein eher unbekannter Cast. Statt leichtfüßiger Komödie eine trist-deprimierende Geschichte. Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg) ist ein College-Lehrer aus einer jüdischen Vorortsiedlung im Amerika der sechziger Jahre, dessen Leben langsam aus den Fugen gerät. Larry ist ein klassischer Loser: seine Frau will sich scheiden lassen, seine Kinder tanzen ihm auf der Nase herum, und an der Uni ist seine Karriere in Gefahr, weil er von einem Austauschstudenten erpresst wird. Warum gerade ihm soviel Unglück zustößt, läßt Larry keine Ruhe. Obwohl er als Physikdozent anhand von Schrödingers Katze und Heisenbergscher Unschärferelation seinen Studenten klar macht, dass es manchmal keine absoluten Wahrheiten gibt, sucht er für sein persönliches Schicksal klare Antworten und einleuchtende Erklärungen bei den Gemeinderabbis. Doch auch die verschiedenen Rabbis haben für ihn nicht mehr parat als sinnfreie Gleichnisse und hausfrauenpsychologische Weisheiten.

Die Coens lassen das jüdisches Kleinstadtamerika der sechziger Jahre in voller Blüte auf der Leinwand erscheinen: Jüdische Riten und Gebräuche, religiöse Verhaltensweisen und Fachtermini werden ungefiltert auf den Zuschauer losgelassen. Schon in der wirren Einführungssequenz wird minutenlang auf jiddisch parliert. Die Ausstattung des sechziger Jahre Kleinstadtamerikas wirkt sehr authentisch. Was leider auch für den nervigen Soundtrack gilt.

Dem Zuschauer geht es dabei allerdings wie Hauptdarsteller Larry - auf die Frage nach dem Warum und nach dem Sinn des Ganzen gibt es nur bedeutungsschwangere Andeutungen statt Antworten. Vermeintliche Parabeln über in Zähne eingravierte Botschaften Gottes oder ein irrelevanter Vorfilm verlieren sich im nichts. In gewisser Weise machen die Coens nichts anderes als die diversen Rabbis im Film, die mit scheinbar vielsagenden Gleichnissen und Parabeln darüber hinwegtäuschen wollen, dass sie auch keine Antwort auf die großen Fragen und den Sinn des Ganzen haben, außer der Platitüde, dass die eigenen Handlungen Konsequenzen haben, die Wege des Herrn ansonsten aber unergründlich sind.

In dieser Beziehung ist die Analogie zum atmosphärisch völlig entgegengesetzten Burn after Reading bemerkenswert - Was die beiden Filme gemeinsam haben, ist dass sich die Suche nach der tieferen Bedeutung und dem Sinn im Nichts verliert. Während diese Auflösung bei Burn after Reading aber eine witzige Pointe war, wirkt sie im schwermütigen A Serious Man eher wie die Lustlosigkeit der Coens, ihren skurrilen Geschichten einen stimmigen Rahmen zu geben. Statt mühseliger Konstruktion einer durchdachten Geschichte gefällt man sich lieber in der spleenigen Aneinanderreihung von schrägen Charakteren und skurrilen Nebenschauplätzen, und arbeitet ansonsten halbautobiographisch die eigene jüdisch geprägte Kindheit auf. Handwerklich ist das zwar sauber umgesetzt: Inszenierung und Kameraführung sind sehenswert, und es gelingen immer mal wieder sehr schöne Einstellungen. Aber die Coens begehen dabei die Todsünde des Filmeschaffens: den Zuschauer zu langweilen.

A Serious Man, USA 2009 - deutscher Kinostart: 21.1.2010

(C) Focus Features

Wenn man den Coen-Brüdern etwas nicht vorwerfen kann, dann mangelnde Abwechslung. Vom völlig überschätzten Slacker-Kultfilm The Big Lebowsky bis zum oscar-gekrönten epischen Meisterwerk No Country for Old Men haben sie schon so einige Genres durchgespielt. Mit Burn after Reading haben sie sich an einer Art Agenten-Krimi-Komödie versucht: Ozzie Cox (John Malkovitch) ein minder wichtiger CIA-Angestellter, verliert seinen Job und beschließt, seine Memoiren zu schreiben. Durch eine Verkettung von Zufällen gelangen die Fitness-Trainer Chad (Brad Pitt) und Linda (Frances McDormand) an eine Kopie und versuchen, die vermeintlich brisanten Daten zu Geld zu machen. Währenddessen vergnügt sich Cox Frau Katie (Tilda Swinton) mit dem Ex-Personenschützer Harry (George Clooney), der wiederum das Gefühl nicht los wird, beschattet zu werden.

Das bemerkenswerte an Burn after Reading ist sicher der Mut zur Häßlichkeit und die Bereitschaft, unsympathische Figuren zu verkörpern, was für ziemlich den gesamten hochkarätigen Cast gilt: Von George Clooney als bärtigen Frauenheld mit schlecht sitzender Jeans und bizarren Heimwerker-Ambitionen, über Tilda Swindon als kühl-intrigante Ehefrau, bis zu Frances McDormand als verhärmte Fitnesstrainerin mit dringendem Wunsch nach kosmetischer Chirurgie. Leider neigen fast alle Schauspieler dabei zu heftigem Over-Acting, ganz besonders Brad Pitt als leicht zurückgebliebener blondierter Fitness-Trainer überzieht seine Rolle ganz gehörig. Einzig John Malkovitch überzeugt in dem illustren Ensemble schauspielerisch wirklich.

Die Stimmung von Burn after Reading, in der leicht schräge Figuren eine wirre, nicht nach den üblichen Konventionen verlaufende Geschichte durchleben, erinnert ein wenig an das Coen Werk Fargo (in dem Frances McDormand auch schon eine Hauptrolle spielen durfte und dafür den Oscar bekam). Trotz kurzer 90 Minuten Spielzeit hat die überdrehte Agenten-Farce allerdings einige Längen. Es dauert eine ganze Zeit, bis die Sache in Bewegung kommt, und schon weit vor dem Ende ist abzusehen, in welche Richtung die Geschichte läuft. Auch wenn die Auflösung, in der sich buchstäblich alles auflöst, sehr charmant ist.

Burn after Reading (Burn After Reading – Wer verbrennt sich hier die Finger?), USA, Großbritannien, Frankreich 2008 - deutscher Kinostart: 2.10.2008

Und wieder ein Film über den Irak-Krieg. Und wieder sieht der Film so aus, wie Kriegsfilme heute nun mal aussehen: unruhige Handkamera, hektisches Heranzoomen, Close-ups, Fake-Dokustil.

Regisseurin Kathryn Bigelow verzichtet auf langwierige Einführung und Storyaufbau, der Zuschauer wird gleich mitten in die Kampfzone in Bagdad geworfen und wird Zeuge einer Bombenentschärfung auf einer Hauptverkehrsstraße: Wir folgen den Einsätzen der Bravo Company, die im Irak als Kampfmittelräumdienst für Bombenentschärfung zuständig ist. Der erste Spezialist ist in einer Explosion gestorben, und der neue Bombenexperte Seagent James (Jeremy Renner) legt einen sehr unorthodoxen Arbeitsstil an den Tag. Er agiert nicht übervorsichtig und vorausschauend, wie es der Aufgabe entsprechen würde, sondern geht jedes Risiko ein und spielt mit seinem Leben und damit auch mit dem Leben seiner Kameraden. Und gerät damit zwangsläufig in Konflikt mit Seargent Sanborn (Anthony Mackie), der seine Truppe die letzten 40 Tage ihres Irak-Einsatzes unverwundet überstehen lassen will.

Bigelow läßt sich extrem viel Zeit für die Entwicklung ihrer Szenen, sei es beim Entschärfen einer Autobombe, während auf den Häuserdächern die Irakis zuschauen und mit der Videokamera mitfilmen, oder beim Scharfschützen-Duell in der staubigen Wüste. Die Stimmung ist ruhig und angespannt, und immer wieder lauert aus dem Hinterhalt der Tod, schlägt fast zufällig und beliebig zu. Das epische Erzähltempo führt zu über 130 Minuten Spielzeit, die aber bis zum Ende packend inszeniert sind. Erstaunlich, dass Bigelow aus dem eigentlich eher ausgenudelten Filmklischee “Bombenentschärfung”, das in jedem zweiten Actionstreifen der letzten Jahrzehnte vorkommt (”roter oder blauer Draht?”… “noch 5 Sekunden bis zur Detonation”), eine derartige Spannung ziehen kann. The Hurt Locker erzählt dabei keine wirkliche Geschichte, es gibt keine große Dramaturgie außer dem Countdown, der die Tage bis zum Ende des Irak-Einsatzes der Bravo-Kompanie zählt. Der Film wirkt eher wie ein beliebiger Ausschnitt aus dem Kriegsgeschehen, ein Monat live im Irak, unterlegt mit einem brachialen Soundtrack von Industrial Krachmachern Ministry.

Was einen (bösen) Kriegsfilm nun von einem (guten) Antikriegsfilm unterscheidet, ist seit jeher eine eher theoretische Diskussion: In beiden (Sub-)Genres sieht man grimmige Soldaten durch Wald oder Dschungel schleichen, überall explodierts und knallts, nur das beim Antikriegsfilm statt hurrapatriotischer Heldenverehrung desillusionierte Protagonisten das Geschehen bestimmen. Kathryn Bigelow bezieht erst gar keine Stellung zur Legitimation des US-Feldzuges, entzieht sich einer politischen Bewertung und zeigt schlicht das Kriegsgeschehen ohne Anfang und ohne Ende. Was dadurch alleine schon ein politisches Statement ist: Das ganze Geschehen im Irak wirkt sinnlos und ohne tiefergehende Mission oder Ziel: Die US-Truppen sind nicht die Beschützer, sondern werden von den Irakis mistrauisch beäugt. Die Irakis machen nicht den Eindruck, als wollten sie von den Amerikanern befreit werden. Ein sinnloser Krieg, was den desillusionierten Soldaten auch klar ist. Jeder will nur raus aus dieser feindlichen Umgebung. Nichts heldenhaftes oder glamouröses haftet dem Tun der Soldaten an, sondern nur sinnloses Töten und Sterben.

Wobei der Kern von Bigelows Film nicht das übliche platte “Krieg ist doof” ist, ganz im Gegenteil: Für den Protagonisten William James ist der Krieg das einzige, was seinem Leben einen Antrieb gibt, wenn auch nicht als heroisch-patriotische Heldenpflicht, sondern als schlichter Adrenalinkick: Am Ende steht der Protagonist, der im Irak über Leben und Tod in Sekundenbruchteilen entschieden hat, vor einem riesigen Supermarktregal voller verschiedener Cornflakes-Packugen und ist überfordert mit der Auswahl. Und wünscht sich konsequenterweise in den Krieg zurück, mit dem er deutlich besser klar kam.

Jeremy Renner verkörpert die undurchsichtige Figur des lebensmüden und kriegshungrigen William James großartig, auch die übrigen Rollen sind gut besetzt. Etwas verschenkt wirkt Ralf Fiennes mit einem überraschend kurzen Gastspiel als britischer Söldner. Bei den Golden Globes ging The Hurt Locker erstaunlicherweise leer aus. Man darf gespannt sein, ob Bigelow bei den Oscars gegen den alles überstrahlenden Blockbuster Avatar ihres Ex-Mannes James Cameron eine Chance hat. Verdient wäre es.

The Hurt Locker (Tödliches Kommando), USA 2008 - deutscher Kinostart: 13. August 2009.

(C) Touchstone Pictures

Neben Avatar und Gamer ist mit Surrogates gleich der dritte Sci-Fi-Blockbuster am Start, der von Menschen handelt, die sich über ferngesteuerte Stellvertreter bewegen. Anders als Avatar spielt Surrogates aber nicht in einer fantastischen fremden Welt, sondern in nicht allzu ferner Zukunft auf der Erde: Im Jahr 2017 gehen die Menschen nicht mehr selber aus dem Haus, sondern steuern von zuhause aus einen menschenähnlichen Robotor, einen Surrogaten (oder für Freunde auch “Surry”), der für sie zur Arbeit geht. Der Surrogat ist die perfekte Version des eigenen Ichs: gutaussehend, robust und kräftig. Gesteuert werden die Surrogates durch eine Art Ganzkörperkonsole, mit deren Hilfe man über den Surrogaten lebensecht sehen, hören und fühlen kann. Die Welt von Surrogates wirkt dabei ein wenig wie ein Remake von I Robot, auch wenn Konzept und Story abweichen: Es wimmelt von Robotern und Androiden, und nie weiss man genau, wer jetzt echt ist und wer nicht. Neben menschlich perfekt aussehenden Surrogaten gibt es auch einfache Versionen, die tatsächlich aussehen, als wären sie aus dem Set von I Robot übriggeblieben.

Seit Aufkommen der Surrogaten ist die Verbrechensrate in der Gesellschaft drastisch zurückgegangen, vor allem Mord kommt kaum noch vor, da maximal “Sachschaden” entsteht, wenn mal wieder ein Surrogat umgebracht wurde und durch einen neuen ersetzt werden muss. Bei einem Überfall auf zwei Surrogaten entdeckt Polizist Tom Greer (Bruce Willis) allerdings, dass es eine mysteriöse neue Waffe gibt, die nicht nur den Surrogaten, sondern gleich auch den fernsteuernden Menschen dahinter auslöscht.

Auch Greer arbeitet natürlich nicht persönlich, sondern mit Hilfe einen Surrogaten, so dass wir Willis, einmal als “echten” Menschen, unrasiert und glatzköpfig, zu sehen bekommen, und einmal als perfekte Version mit blonder Haarpracht und glatter Haut. Willis Surrogat ist hart im Nehmen, und wenn ihm bei einer Verfolgungsjagd einmal der Arm abgerissen wird und er nach einem Helikopter-Absturz weiter unbeirrt den Tatverdächtigen jagt, erinnert das ganze schon recht eindeutig an die Terminator Filme (von denen Surrogates Regisseur Jonathan Mostow ja auch Teil 3 inszeniert hat).

Irgendwie hat man das alles schon einmal gesehen: böse Konglomerate, die die Gesellschaft mit ihrer neuen Technik beherrschen, unverwüstliche Roboter, die nicht totzukriegen sind, das Wechselspiel zwischen künstlichen Lebensformen und echten Menschen. Aber Surrogates schnürt aus den bekannten Bauteilen ein durchaus unterhaltsames Paket: Einen Sci-Fi Blockbuster, auf Hochglanz produziert, mit herausragenden Schauwerten. Anders als andere Blockbuster erstarrt Surrogates dabei nicht in Effekt- und Actionorgien, die zwei bis drei längeren Actionszenen drängen sich nicht in den Vordergrund oder ersetzen relevante Handlung.

Die Grundidee, das das Leben zu gefährlich ist, um selber das Haus zu verlassen, und man deshalb besser einen Stellvertreter nach draußen schickt, ist gar nicht mal so haarsträubend. In Zeiten von Sicherheitshysterie, “war on terror” und Angst vor ausufernder Kriminalität hätte die Surrogat-Technik vermutlich schnell viele Anhänger. Die Szene, in der Agent Greer das erste Mal wieder als echter Mensch die Straße betritt und von den vermeintlichen Bedrohungen der Alltagswelt ängstlich an den Häuserwänden entlangschleicht, ist eine schöne Metapher auf den aktuellen Sicherheitswahn.

Allerdings ist das Konzept von Surrogates nicht so ganz schlüssig. Am ehesten glaubwürdig ist die Surrogat-Geschichte noch beim Militär, wenn bei einer “Friedensmission” im Feld nur noch Roboter im Einsatz sind, und die eigentlichen Soldaten in einem riesigen Rechenzentrum ihre Avatare fernsteuern - und wenn ein Avatar tödlich getroffen ist, wird einfach der nächste aus dem Truppentransporter aktiviert. Die Zivilgesellschaft hingegen, die nur noch von Avataren bevölkert ist, wirkt weit weniger überzeugend. Bei der Darstellung einer Zivilisation, in der die “echte” Hälfte zuhause in einem Steuerungscomputer sitzt und die andere künstliche Hälfte zur Arbeit geht oder abends in der Disco tanzt, läßt zu viele Ungereimtheiten und offene Fragen zurück, um wirklich glaubwürdig zu sein. Etwa wie die echten Menschen überhaupt überleben können, wenn sie den größten Teil des Tages unbeweglich in der Steuerungskonsole für ihren Avatar dahinvegetieren. Oder warum durch die Surrogate auf einmal die Verbrechensrate drastisch nach unten gegangen ist, man könnte auch das Gegenteil erwarten, da niemand mehr “persönlich” irgendwo einbrechen muss. Auch die Idee von hermetisch abgeriegelten “Reservaten”, in denen die Gegner der Surrogat-Technik sich zurückgezogen haben, um unter “echten” Menschen zu leben, überzeugt nur so mittel (das Reservat hat allerdings was vom Metropolis-turned-Gefängnis aus “Escape from New York”).

Bohrt man nicht allzu sehr in diesen Ungereimtheiten herum und läßt sich auf die Idee von Surrogates ein, ist das ganze solide Sci-Fi-Unterhaltung. Der Show-Down wirkt ein wenig überhastet, führt aber noch zu ein paar netten Szenen, wenn das Surrogat-Netzwerk plötzlich zusammenbricht.

Surrogates (Surrogates - Mein zweites Ich), USA 2009 - deutscher Kinostart: 21.01.2010